格哈德·里希特迄今最大规模展览，策展人独家专访

　　《色带》，格哈德·利希特，纸上数码印刷

　　夹于铝板与亚克力板之间，2011年

　　路易威登基金会收藏

　　“格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　摄影： Mark Domage

　　图片来源：路易威登基金会

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　　在超过六十年的艺术生涯中，里希特不断挑战绘画的界限。他对历史、图像与感知的持续探问，正契合路易威登基金会的理念。因此，自路易威登基金会成立以来，便将里希特的作品纳入馆藏体系，基金会目前已收藏了 35 件里希特的作品。

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　　2025年10月17日至2026年3月2日，路易威登基金会（Fondation Louis Vuitton）重磅呈献格哈德·里希特回顾展，展出作品多达275件。策展以时间为轴，涵盖1962年至2024年间的数个时期，呈现里希特从早期以摄影为基础的写实作品，到后期的抽象创作，致力于全面展示里希特对绘画语言的持续探索。

　　策展人迪尔特·施瓦茨（左）

　　图片来源：受访者个人官网

　　策展人尼古拉斯·塞罗塔（右）

　　图片来源：ArtReview

　　本次回顾展由策展人迪尔特·施瓦茨（Dieter Schwarz）与尼古拉斯·塞罗塔（Nicholas Serota）联合策划。在超过六十年的艺术生涯中，里希特不断挑战绘画的界限。

　　 “格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　他对历史、图像与感知的持续探问，正契合路易威登基金会的理念：质疑、创新、连接过去与当下。因此，自路易威登基金会成立以来，便将里希特的作品纳入馆藏体系，基金会目前已收藏了35件里希特的作品。

　　10月，《收藏/拍卖》杂志在展览开幕之际，独家专访两位策展人，深入探讨这场回顾展如何重新审视里希特的艺术历程，以及其在当代语境下的意义。

　　巴黎曾经举办过里希特两个重要的回顾展，一个是1993年在巴黎市现代美术馆，一个是2012年和蓬皮杜艺术中心，今年在路易威登基金会举办的回顾展将会有哪些亮点？

　　迪尔特·施瓦茨：距离第二次回顾展已经过了13年，在这期间里希特又创作了许多重要的作品。尤其在2017年，里希特停止了油画创作。我们此次的展览从他的第一幅画到最近的一幅画皆悉数呈现，还包括了其雕塑、纸本作品，以及他最新创作的素描作品。我认为，这正是本次展览与以往回顾展的根本区别。

　　《古德伦》，格哈德·利希特

　　布面油画，1987年

　　路易威登基金会收藏

　　尼古拉斯·塞罗塔：里希特的艺术创作已经持续了60年。我认为，这次回顾展的独特之处在于艺术家本人依然健在，但他在8年前已经停止了油画创作。因此，我们得以首次为一位在世艺术家完整呈现其艺术生涯。此次展览将成为迄今为止最全面、最丰富的里希特展览，真正全面地讲述他的艺术故事。

　　此次展览以时间顺序来呈现，初期是否曾考虑过其他叙事方式？最终选择以时间顺序为框架的主要考量是什么？

　　迪尔特·施瓦茨：在策展初期，我们也曾考虑过其他策展框架，但最终之所以选择以时间为主线，主要因为里希特的作品随着时间推移，从一个10年到下一个10年，持续发生着变化——因为他不断尝试新的创作方法。

　　近景为里希特的《4块玻璃板》，展览复制品

　　玻璃与铁，1967年

　　根特赫伯特基金会收藏

　　墙面上为《10块大型色版》

　　1966年、1971年、1972年，珐琅漆画布

　　北莱茵-威斯特法伦艺术收藏馆收藏

　　“格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　为了让观众更清晰地理解这种变化与发展，避免造成混淆，我们决定按照时间顺序逐步展示他一路走到今天的创作历程。当观众穿梭在展厅时，能够直观地感受到他艺术风格的演变和延续性。

　　这次在作品的选择上遵循了哪些核心原则？

　　尼古拉斯·塞罗塔：策展初衷是尽可能完整地呈现里希特自20世纪60年代初至今的重要代表作。对于希望全面回顾里希特艺术生涯的展览来说，有一些作品是不可或缺的。

　　《桌子》，格哈德·里希特，布面油画，1962年

　　摄影：Jennifer Bornstein

　　《48幅肖像》，格哈德·里希特

　　布面油画，1972年

　　“格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　例如，那些以照片为基础的“礁石”系列作品、在1972年威尼斯双年展上展出的《48幅肖像》，以及他在不同时期的标志性系列。这些重要的作品，多年来从未被如此集中地展出过。我们一直希望将关键作品汇聚一堂，向观众全面呈现里希特的艺术成就。

　　在策展过程中，如何将路易威登基金会的收藏融入展览？

　　尼古拉斯·塞罗塔：基金会长期重视对里希特作品的收藏，因此，最终决定举办这样一场大型展览是水到渠成的。本次展览中，路易威登基金会收藏的多件作品也占据了重要位置。

　　《丁香》，格哈德·里希特

　　布面油画，1982年

　　路易威登基金会收藏

　　摄影：Primae / Louis Bourjac

　　例如，在20世纪80年代早期的展厅中，就有两幅来自基金会收藏的画作，它们都是非常重要的作品。在整个展览过程中，观众会发现基金会收藏的作品贯穿始终，发挥着举足轻重的作用。

　　在此次展览中，是否有一些您认为是理解里希特艺术发展较为关键的作品？

　　尼古拉斯·塞罗塔：我们致力于遴选最具代表性的杰作。面对两百多件作品，其实很难只挑出一两件来特别强调。

　　《1977年10月18日》，格哈德·里希特

　　布面油画，1988年

　　纽约现代艺术博物馆收藏

　　不过，对我们来说，展出纽约现代艺术博物馆（MoMA）馆藏的《1977年10月18日》具有非凡的意义。同样重要的，还有借展自圣路易斯美术馆（St.Louis Art Museum）的三幅杰作。这三幅作品创作于《1977年10月18日》之后，是里希特最重要的代表作之一。

　　《贝蒂》，格哈德·里希特

　　布面油画，1988年

　　圣路易斯美术馆收藏

　　展览的后半部分，我们呈现了“凯奇”系列作品，这组作品虽归私人藏家所有，但长期借展于泰特现代美术馆（Tate Modern）。

　　 “格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　这些都是本次展览的高光作品。参观展览时您会发现，每一个展厅都拥有独特的氛围和主题。随着逐步深入展览，里希特的艺术轨迹也将逐渐在观众面前展开。

　　在筹备过程中，是否曾有争取借展重要馆藏的体会或难忘的经历？

　　迪尔特·施瓦茨：我们拜访了所有重要的藏家与机构。过程中，有幸得到了非常热情的接待，尤其是此次展览最主要的借展方——纽约现代艺术博物馆。他们收藏了许多里希特不可或缺的杰作，同时他们的团队非常开放、合作，也充分理解本次展览的意义，对我们的工作给予了极大的支持。

　　《对抗 2》，格哈德·里希特

　　布面油画，1988年

　　纽约现代艺术博物馆收藏

　　说服纽约现代艺术博物馆出借这些重要作品，是我们在筹备时面临的挑战之一。幸运的是，我们得到了非常积极的回应，让整个展览的准备过程变得格外难忘。

　　里希特现年93岁，此次展览是否带有“总结”或“重新阅读”的意味？

　　尼古拉斯·塞罗塔：这次展览绝不是对里希特艺术生涯的总结。事实上，展览最后的几个展厅还呈现了他近年来创作的一系列新的素描作品。自2017年宣布不再进行油画创作后，里希特依然积极投入于素描实践，并且还参与了一些特别的委托项目。他始终保持着旺盛的好奇心和探索欲望。

　　《胡萝卜》，格哈德·里希特

　　布面油画，1990年

　　路易威登基金会收藏

　　例如，他在2010年至2012年间创作的“色带画”，那时他已年近八旬，却依然不断突破自我，尝试全新的表达方式。里希特从未止步于既有成就，始终不断前行，对世界的本质以及我们如何去表现世界，保持着持续而深刻的思考和探索。

　　因此，这次展览虽然在某种程度上是对他艺术历程的梳理和回顾，但绝不是终点。里希特依然以积极的姿态持续创作，不断拓展和丰富自己的艺术世界。

　　为何里希特在2017年之后便不再进行油画创作？

　　迪尔特·施瓦茨：他一直以系列为单位进行创作，每当完成一个系列，往往会停下几个月，甚至半年不再创作油画。2017年，他又一次完成了一个系列，随之再次停笔。但这一次，他突然发现，自己已经不再有回到画布前的渴望了。

　　展览现场用图像展现里希特的绘画工作室

　　这并不是有意为之，也不是一种正式的宣告：“我要停止绘画了”，而是自然而然地发生，他只是感觉在此的探索已告一段落。也许正因如此，他开始将精力投入其他领域，比如，公共艺术委托和素描创作。一切都是顺其自然，水到渠成。

　　从照片绘画到抽象作品，里希特的创作方向发生了显著转变。您是否认为有某个中重要的转折点？观众能否在展览中发现线索？

　　尼古拉斯·塞罗塔：20世纪70年代中期是一个非常关键的时间节点。我们可以看到，里希特在这一时期开始以多种方式探索抽象绘画的可能性。例如，他常以水彩小稿为基础，放大后再创作成大型画作。有些则是以油画草图为基础，随后加以扩展和深化。

　　 “格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　正是在那个阶段，里希特开始寻找全新的艺术语言，尝试用抽象的方式表达理念，而不仅仅依赖于照片式的具象表现。这次展览对理解他如何逐步转向抽象艺术具有很强的启发性。对于许多观众来说，这一过程可能是首次被如此清晰地呈现出来。

　　 “格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　无论抽象或具象，里希特都以绘画回应和思考世界。这次展览不仅展现了他艺术风格的转变，而且帮助我们更全面地理解里希特如何通过绘画不断拓展自我、突破边界。

　　里希特的创作常常被认为充满了“模糊性”。您认为还有哪些核心特质贯穿了他的整个艺术生涯？

　　迪尔特·施瓦茨：谈及里希特的艺术，总会不可避免地触及“模糊性”这个主题。“模糊性”贯穿于他整个创作生涯。

　　例如，他常常在展厅中并置看似完全对立的作品：一边是静物画，另一边则是抽象作品，或者他既有为女儿贝蒂创作的肖像，又有巨幅的抽象画。这种对立与并置，恰恰成为他艺术生涯中的重要线索。

　　 “格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　除了模糊性之外，里希特的作品中还蕴含着强烈的“游戏感”——一种始终愿意去尝试、去探索新可能性的好奇心。从他最早的作品《桌子》开始，他就在图像中不断“玩耍”，通过对画面的解构和重组，发现“破坏”本身足以产生全新的视觉意义。

　　《仿提香的〈天使报喜〉》，格哈德·里希特

　　布面油画，1973年

　　华盛顿特区赫希洪博物馆与雕塑园收藏

　　无论是色带系列、数字图像，还是他近年的即兴素描创作，他随手拿起身边的颜料、墨水、铅笔等工具自由尝试，完全无法预见最终会出现怎样的效果。正是这种模糊性与游戏感，共同构成了里希特艺术创作中最迷人、最不可预知的部分。

　　与许多战后艺术家不同，里希特似乎无法被完全归入某个艺术流派或群体，他与同时期艺术家的联系及独立性如何在这次展览中体现？

　　尼古拉斯·塞罗塔：正如您所观察到的，里希特确实是一位难以被简单归类为某一流派或群体的艺术家。他并不属于任何特定的艺术运动，也不是某个团体的核心成员。

　　 “格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　虽然在早年间，他跟杜塞尔多夫与西格玛·波尔克（Sigmar Polke）等艺术家有过交流，总体而言，里希特更倾向于在独立工作室中完善艺术理念，而非依靠与他人的协作。参观此次展览时，这种独立性和探索精神会贯穿整个观展体验，观众能深刻感受到他持续的好奇心，以及对如何以不同方式呈现世界的不断思考。

　　《海洋（略多云）》 ，格哈德·里希特

　　布面油画，1969年

　　路易威登基金会收藏

　　尽管如此，在某些阶段，比如开始创作风景画时，里希特依然关注并回应了19世纪德国风景画的传统。但他始终能为这些作品赋予鲜明的个人印记与独特性。因此，里希特并不依赖同行影响或群体归属来定义自我，他是一位不断自我探索和突破的创作者。

　　展览图录中写道：“他关心的是图像如何生成，而非绘画的行为本身。”能否进一步解释这句话？

　　迪尔特·施瓦茨：可以这样理解，对里希特来说，一切的起点总是一个图像——无论是他亲自拍摄的照片，还是偶然发现的影像，或是某种内心的印象。真正的挑战在于，如何将这个图像带入现实世界。对他而言，绘画一直是实现这一目标最有效的工具。单靠照片本身是远远不够的，也正因如此，他从未想过要成为一名摄影师，尽管他的创作和摄影有着密切关联。

　　 “格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　即便这种以小巧绘画为主的方式看似“老派”，但对里希特来说，它依然是展现图像最有力、最适合自己的表达。事实上，在本次展览中能看到他不断尝试各种媒介和手法，但他始终会回归绘画，直到创作生涯的最后阶段。

　　《4900种色彩》 ，格哈德·里希特

　　板上亮漆，2007年

　　路易威登基金会收藏

　　即使是面对像与大屠杀相关的沉重主题时，他依然认为绘画是最适合的表达方式。里希特始终关注的是“如何创造图像”，而不是单纯地“如何绘画”。他通过绘画这一媒介，为图像赋予新的生命和意义。

　　此次展览如何延续或拓展路易威登基金会的学术与文化使命？

　　迪尔特·施瓦茨：我认为路易威登基金会选择举办本次展览，是顺理成章的事情。这是一次独一无二的机会，能够真正全面地呈现里希特的作品。在这个时间点，没有其他机构可以提供如此充足的空间来举办这样大规模的回顾展，也没有其他机构能有这样的预算，将这么多重要作品汇聚一堂。

　　 “格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　因此，我认为基金会作出了前瞻且明智的决定，并且给予了策展团队极大的自由，让我们能以理想的方式来策划展览。我相信，这不仅是基金会对文化和学术的重要贡献，而且为观众带来了宝贵的观展体验。同时，我们还编撰了学术图录，期待这一成果能得到重视与参考。

　　里希特曾说，绘画是一种通向言语无法表达之物的方式。您觉得在他的作品中，依然有哪些地方让人难以言说？

　　迪尔特·施瓦茨：所有图像都带有某种神秘性，尤其是在里希特的作品中体现得尤为突出。即便是在展览的后半部分，观众会发现一些描绘极为普通题材的画作，比如城市的某个角落，或者一些你平时根本不会留意甚至不会选择去表现的场景。然而，这些作品却自带一种神秘、奇异，甚至让人略感不安的氛围。

　　展览尾声展出了里希特近年创作的纸上作品

　　我很难轻易找到一个确切的理由，去解释他为什么要这样创作。正是这种难以言喻的神秘感，让这些作品格外有吸引力和力量。我认为，他的神秘性贯穿了整个展览，也希望能够激发更多观众和研究者的思考。

　　 “格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　尼古拉斯·塞罗塔：正如刚才提到的，特别是在展览的后半部分，观众也会发现一种鲜明的对比和交替：既有气势恢宏、极具震撼力的大型抽象画作，也有体量小巧、极为私密的画面。这些小幅作品常常描绘一些出人意料的风景，或者是城市中一个不起眼的角落，引导我们关注那些平时可能忽略的细节。

　　 “格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　正是这种在宏大、雄伟且极具感染力的大型作品与神秘、细腻、耐人寻味的小画之间的交替与呼应，不断激发着观众对里希特艺术的探索欲望。

　　在图像泛滥的时代，您认为里希特的作品为何保持如此强的现实意义？

　　尼古拉斯·塞罗塔：我认为，里希特能创作出极具力量和冲击力的图像，正是他的作品经久不衰、始终吸引观众和藏家的重要原因之一。同时，正如刚才所说，他的作品还蕴含着某种神秘感——这让我们意识到，人们对世界的感知始终是有限的。而里希特的创作，正是在不断激励我们去探索观察世界的新方式。

　　《凯奇（6）》 ，格哈德·里希特

　　布面油画，2006年

　　私人收藏

　　观众会在展览和图录中看到，里希特在60余年的创作生涯中，创作了许多极具感染力和震撼力的绘画作品。他的艺术不仅为观众带来了丰富的感受，而且为学术研究提供了宝贵的素材和无限的可能性。

　　 “格哈德·里希特”回顾展览现场，巴黎

　　迪尔特·施瓦茨：多年来，里希特的作品始终吸引着大量观众和藏家。同时，许多当代年轻艺术家也对他的创作充满敬意和欣赏。这些现象本身就说明，即便在今天这个影像泛滥的时代，里希特的绘画也依然能够打动人心、具有独特的吸引力。

　　《自画像》 ，格哈德·里希特

　　亚麻布面油画，1996年

　　纽约现代艺术博物馆收藏

　　正是因为有如此多的人持续关注和热爱他的作品，才充分证明了他的艺术价值和持久魅力。幸运的是，这份吸引力至今未减，依然不断激发着人们的兴趣与思考。

　　《收藏/拍卖》杂志独家稿件

　　刊载于《收藏/拍卖》杂志冬季刊

　　原标题：《为图像赋予新的生命和意义：路易威登基金会里希特回顾展策展人采访》

　　采访：曹丹

　　拟题：秦雨菡

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　　本文标题：格哈德·里希特迄今最大规模展览，策展人独家专访

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